Terjemahan Inggris – Indonesia "Aesthetics: A Reader in Philosophy of the Arts Edited by David Goldblatt, Lee B. Brown, Stephanie Patridge " Tugas 1

 

Tugas 1 Filsafat Seni

Nama  : Tawshie Tazkiyyatul Fikriyyah

NPM    : 202146500947

Kelas   : R3L

Terjemah Inggris – Indonesia          :

Dikutip dari “Making Tracks: The Ontology of Music” di The Journal of Aesthetics dan Kritik Seni (Vol. 64, no. 2) Musim Gugur 2006, hlm. 401–414. Dicetak ulang dengan izin =dari John Wiley & Sons.

Para filsuf musik secara tradisional memperhatikan masalah-masalah yang dihadapi Barat musik klasik meningkat, tetapi baru-baru ini telah tumbuh minat baik di non-Barat musik dan dalam tradisi musik Barat selain klasik. Termotivasi oleh pertanyaan tentang manfaat relatif dari musik klasik dan rock, para filsuf telah membahas ontologi musik rock, menanyakan apakah alasan itu diremehkan oleh beberapa orang adalah karena karya seninya telah disalahpahami sebagai jenis yang sama dengan karya musik klasik. Dalam musik klasik, produksi peristiwa suara yang didengarkan penonton adalah hasil dari dua kelompok tindakan yang sangat berbeda. Pertama, komposer menciptakan karya dengan menulis skor. Kemudian, seorang seniman pertunjukan atau sekelompok seniman melakukan pekerjaan itu, karena kebutuhan menghasilkan interpretasinya. Seringkali, komposer terlibat erat setidaknya dalam yang pertama kinerja sebuah karya baru, tetapi meskipun demikian kontribusinya sebagai komposer adalah jelas dibedakan dari yang dibuat sebagai pemain.

 

Dua Ontologi Rock yang Bersaing

Dalam Rhythm & Noise, Theodore Gracyk berpendapat bahwa musik rock adalah tradisi yang telah memotong keluar perantara yang tampil dan mengirimkan musik langsung dari komposer ke hadirin. Gracyk berbicara tentang musik rock dalam arti luas: bukan sebagai gaya (rock menentang heavy metal), tetapi sebagai tradisi artistik yang lebih luas (rock sebagai lawan dari klasik or jazz). Tesis yang dikembangkan Gracyk melalui paruh pertama bukunya adalah bahwa yang utama karya seni dalam musik rock bukanlah struktur suara yang “tipis” untuk dicontohkan dalam berbagai pertunjukan, seperti dalam musik klasik, tetapi struktur suara yang "tebal" hampir maksimal dikodekan pada rekaman dan ditampilkan dengan benar melalui pemutaran salinan rekaman—apa yang akan saya sebut sebagai "trek". Dia berpendapat untuk pandangan ini sebagian dengan memberikan sejarah dari tradisi rock yang dimulai dengan rekaman awal Elvis Presley di Sun Studios, dan mencapai langkahnya dengan album elektrik pertama Bob Dylan dan pergeseran fokus The Beatles dari pertunjukan langsung ke studio rekaman. Dalam Karya dan Pertunjukan Musik, Stephen Davies mengkritik pandangan Gracyk, menunjuk untuk praktik rock penting yang diabaikan atau diabaikan Gracyk, terutama pentingnya ditempatkan pada keterampilan pertunjukan langsung di dunia rock. Singkatnya, Davies mengatakan: 

Fakta-faktanya adalah sebagai berikut: lebih banyak grup yang memainkan musik rock daripada yang pernah direkam; hampir semua grup rekaman dimulai sebagai band garasi yang mengandalkan pertunjukan langsung; hampir semua terkenal artis rekaman juga merupakan pemain panggung yang ulung; [dan] meskipun merekam produsen cukup diakui untuk pentingnya kontribusi mereka, mereka biasanya tidak diidentifikasi sebagai anggota band. Di tempat lain, Davies juga menunjukkan fakta bahwa versi cover dan remix diperlakukan lebih banyak menyukai interpretasi baru dari karya yang sudah ada—lebih seperti pertunjukan—daripada menyukai karya baru dalam hak mereka sendiri. 

Davies mengusulkan akun alternatif ontologi rock yang dimaksudkan untuk: memperbaiki kekurangan-kekurangan tersebut. Dia berpendapat bahwa karya rock, seperti yang klasik, diciptakan untuk pertunjukan, tetapi sementara karya klasik adalah karya untuk pertunjukan langsung, karya rock adalah karya-untuk-studio-kinerja, di mana karya untuk kinerja studio secara implisit mencakup bagian untuk produser dan insinyur suara. Saya bersimpati dengan reklamasi Davies tentang pentingnya keterampilan pertunjukan langsung untuk batu; namun, saya percaya kita dapat menemukan tempat untuk nilai-nilai seperti itu di rock tanpa bantuan gagasan kerja-untuk-studio-kinerja. Beberapa masalah dengan Davies akun rock berasal dari ketegangan antara gagasan karya rock menjadi untuk-studio-kinerja dan praktik rock yang dia soroti dalam kritiknya terhadap Gracyk. 

Pertama, meskipun banyak band garage dan pub berharap bisa direkam suatu hari nanti, ternyata tidak jelas bahwa mereka menulis lagu mereka dengan bagian untuk sound engineer bahkan secara implisit dalam pikiran. Saat bermain di garasi atau pub, tanpa teknisi itu, band-band ini sepertinya berpikir mereka menyediakan penonton dengan pertunjukan yang sepenuhnya otentik dari lagu-lagu mereka, bukan dengan pertunjukan kehilangan bagian. Tentu saja, bahkan band pub menggunakan amplifikasi, jadi mungkin saja berpendapat bahwa peran insinyur dimainkan oleh seseorang, bahkan jika seseorang itu adalah bass player yang juga melakukan sound check di awal gig. Tapi rekayasa sebanyak ini hanyalah hasil dari penggunaan instrumen listrik. Pertunjukan langsung karya klasik melibatkan instrumen listrik, dari konser Anthony Ritchie untuk akustik yang diperkuat gitar (disebut oleh Davies), melalui inovasi aneh awal abad kedua puluh seperti theremin dan ondes martenot, hingga mesin angin di Vaughan Williams Sinfonia Antartica, membutuhkan seorang insinyur dengan satu atau lain cara. Itu tidak membuat mereka insinyur pelaksana pekerjaan (meskipun ada "bagian implisit" untuk seorang insinyur bermain"); juga tidak membuat karya-karya itu secara ontologis untuk kinerja-studio. 

Kedua, Davies berpendapat bahwa lagu rock adalah karya untuk pertunjukan studio dan bahwa "berfungsi untuk pertunjukan studio ... biasanya tidak dapat dimainkan secara langsung." Akun rock apa saja musik yang membuat konser live menjadi fenomena yang tidak biasa tentu saja salah kaprah. Di batu konser, bahkan oleh band-band yang telah menghasilkan album studio, baik para musisi maupun para penonton hanya mengira bahwa band-band itu benar-benar menampilkan lagu-lagu mereka secara langsung. Intuisi ini harus diakui di hadapan teori yang lebih jelas kekuatan, tetapi Davies berpikir bahwa akunnya lebih cocok dengan intuisi kita tentang live rock daripada milik saya (akan diuraikan di bawah). Ini tidak bisa terjadi jika itu hampir mengesampingkan pertunjukan rock live. Davies telah menyarankan bahwa musisi rock dan penggemar mungkin setuju di inferior simulasi rekaman yang berlangsung di konser rock hanya sebagai hasil dari arus kekurangan teknologi. Semakin banyak peralatan bergerak dari studio rekaman ke panggung karena ukurannya berkurang dan fleksibilitasnya meningkat. Mungkin satu hari semua yang dapat dicapai di studio akan dicapai di atas panggung. Pada saat itu akan ada tidak ada alasan untuk menahan label "pertunjukan studio" dari konser rock "langsung". Ada tiga tanggapan yang relevan untuk saran ini: 

1. Seperti disebutkan di atas, meskipun musisi rock mungkin menggunakan beberapa teknologi yang sama di atas panggung mereka gunakan di studio untuk menghasilkan suara yang sama, mereka masih diharapkan untuk tampil 204 Andrew Kania lagu-lagu mereka. Sudah ada teknologi yang tersedia untuk mereproduksi suara rekaman di atas panggung—pemutar CD akan melakukannya—tetapi penonton rock ingin mendengar musisi bermain instrumen mereka dan bernyanyi, seperti halnya penonton klasik dan jazz, seperti yang kadang-kadang skandal sinkronisasi bibir. 

2.  Saat pemain mencoba meniru suara rekaman studio, ini tidak dengan sendirinya menyiratkan apa pun tentang status ontologis dari karya yang dilakukan. Sebuah paduan suara mungkin mencoba untuk menangkap kembali dalam pertunjukan langsung akurasi intonasi, ketat ansambel, dan bahkan gairah rekaman tertentu sendiri tanpa menyiratkan ini bahwa pekerjaan yang dilakukannya adalah pertunjukan untuk studio. 

3. Apa pun teknologi studio yang tersedia untuk pertunjukan langsung, yang paling menonjol fitur dari apa yang terjadi di studio tidak akan pernah bisa diekspor ke panggung. Di studio, satu dapat meluangkan waktu untuk memilih dan memilih suara mana yang harus dimasukkan ke dalam rekaman campuran. Seseorang pada prinsipnya selalu dapat kembali dan mengubah sesuatu sampai dia bahagia dengan hasilnya. Jadi bukan hanya kekurangan teknologi saat ini yang membuat studio dan pertunjukan langsung berbeda—mereka berbeda dalam cara metafisik yang mendasar. 

Akhirnya, saya percaya sebuah kasus dapat dibuat untuk keunggulan trek sebagai objek perhatian kritis di rock dengan melihat dua cara di mana praktik live rock bergantung secara asimetris praktik rock yang direkam. Yang pertama adalah pertunjukan rock live yang "melihat" rock trek dalam beberapa hal, yang bertentangan dengan hubungan di dunia klasik, di mana rekaman mencoba untuk menangkap, atau mensimulasikan, apa yang terjadi dalam situasi pertunjukan langsung. Yang kedua berlaku di tingkat yang lebih tinggi. Jika, karena wabah yang sangat menular, katakanlah, semua batu musisi terbatas pada studio mereka, produksi trek rock akan berlanjut di cara yang sama selama empat atau lima dekade. Jika, di sisi lain, revolusi Luddite menghapus semua teknologi rekaman, konser akan menjadi satu-satunya cara untuk hadir musik rock dan karenanya rekreasi suara rekaman yang sudah ada tidak bisa lagi bagian dari apa yang dituju (atau ditolak) dalam pertunjukan langsung. Singkatnya, latihan live rock adalah tergantung pada rock yang direkam, tetapi tidak sebaliknya. Perbandingan dengan klasik praktek lagi membantu. Musik klasik adalah tradisi di mana, selama berabad-abad, pertunjukan langsung adalah satu-satunya pilihan untuk mengakses musik. Penghancuran teknologi perekaman akan hanya menghasilkan kembali ke masa lalu, dengan segala aspek baik dan buruknya, sedangkan dalam Surga Gouldian di mana semua ruang konser telah diratakan, tradisi akan ada bahaya, setidaknya, berubah menjadi sesuatu yang sangat berbeda. [Glenn Gould adalah sebuah konser pianis yang dikenal lebih menyukai studio rekaman daripada aula konser.] Tentu saja, eksperimen pemikiran ini secara drastis menyederhanakan masalah, mengabaikan kemungkinan perkembangan yang tak terhitung dalam dua tradisi yang saya diskusikan yang mungkin dihasilkan dari perubahan radikal di lingkungan mereka dan, yang lebih penting, efek jangka panjang mereka sejarah tentang apa yang akan terjadi mengingat perubahan yang tidak mungkin ini. Tapi daripada mempertimbangkan mereka spekulatif putus asa sebagai hasilnya, saya ingin mereka diambil sebagai perumpamaan. Untuk pastinya moral yang saya ambil dari mereka  adalah klaim yang masuk akal tentang tradisi seperti yang mereka lakukan sekarang. Musik klasik terutama, seperti biasanya, merupakan tradisi pertunjukan langsung, dan rekaman berasimilasi dengan tradisi itu. Musik rock pada dasarnya adalah rekaman tradisi, dan pertunjukan langsungnya sebagian bergantung pada tradisi itu untuk nilainya. Dengan demikian, pertunjukan rock live, meskipun tidak dapat disangkal merupakan bagian penting dari dunia rock, bukanlah yang fokus utama perhatian kritis dalam tradisi itu.

Trek yang Mewujudkan Lagu: Tampilan Sintetis 

Posisi apa yang tersedia, kemudian, untuk seseorang yang bersimpati dengan Gracyk argumen bahwa karya utama dalam musik rock adalah rekaman yang kental secara ontologis, tetapi juga dengan kontra-argumen Davies bahwa rock adalah seni pertunjukan yang penting, seperti musik klasik? Gracyk benar dalam melihat trek rock sebagai karya musik mereka sendiri—fokus utama perhatian kritis dalam batuan. Davies benar dalam melihat lagu-lagu rock—struktur melodi, harmoni, dan lirik yang sangat tipis—sebagai karya musik yang mungkin dilakukan, yaitu, dicontohkan dalam pertunjukan langsung. Namun, karya musik ini tidak fokus utama perhatian kritis dalam rock, dan dengan demikian bukan karya musik. Mengingat mereka ketipisan, dan kesadaran penciptanya bahwa mereka dapat ditampilkan secara langsung dan digunakan dalam konstruksi trek, saya pikir itu salah untuk mempertimbangkan lagu-lagu rock secara ontologis untuk sesuatu yang khusus, baik itu penyederhanaan kinerja, atau jenis kinerja tertentu. Pandangan yang saya pertahankan adalah ini: musisi rock pada dasarnya membangun trek. Ini adalah karya yang kental secara ontologis, dan berada di tengah-tengah rock sebagai bentuk seni. Namun, ini trek juga mewujudkan lagu. Lagu rock, seperti lagu jazz, tetapi tidak seperti lagu klasik, cenderung menjadi sangat tipis secara ontologis, memungkinkan perubahan dalam instrumentasi, lirik, melodi, dan bahkan harmoni. Tapi sementara lagu klasik dan jazz bekerja untuk penyederhanaan kinerja, lagu-lagu rock tidak bekerja, juga bukan untuk sesuatu yang khusus. Trek batu tidak jenis pertunjukan khusus dari lagu-lagu tipis yang mereka wujudkan, seperti yang dilakukan Davies. Sebaliknya, itu adalah konstruksi studio: karya tebal yang mewujudkan lagu tipis, tanpa menjadi pertunjukan dari mereka. Pada saat yang sama, sebuah lagu rock dapat ditampilkan dalam sebuah pertunjukan. 

Saya menggunakan terminologi Gracyk dalam berbicara tentang lagu-lagu rock yang "mewujudkan" lagu-lagu tanpa menjadi pertunjukan dari mereka. Davies mengkritik pembicaraan ini sebagai "canggung dan tidak jelas," karena jika sesuatu adalah sejenis untuk kinerja, contoh yang sepenuhnya otentik dari hal itu harus pertunjukan. Saya berpendapat bahwa lagu-lagu rock bukan untuk pertunjukan; jadi, bagi saya, rock lagu hanya dimasukkan dalam trek dan pertunjukan langsung. Namun, saya percaya ada pekerjaan yang berguna untuk konsep manifestasi yang bertentangan dengan instantiasi. Ambil Jeff Lagu Buckley “Corpus Christi Carol” (1994), misalnya. Ini adalah versi rock dari Benjamin Britten's "In the Bleak Mid-Winter" dari variasi paduan suaranya A Boy Was Born, memanifestasikan pekerjaan itu tanpa menjadi pertunjukan (yaitu contoh) darinya. (Pertunjukan pekerjaan ini membutuhkan paduan suara, setidaknya.) Seseorang mungkin berpendapat bahwa saya sengaja mengabaikan peran penting dari kinerja keterampilan dalam produksi rekaman rock. Bagaimanapun, rasa hormat untuk, dan valorisasi, kemampuan menyanyi dan memainkan alat musik—terutama gitar elektrik, bass, dan drum—sepertinya sama sentralnya di dunia rock dengan rasa hormat yang sama terhadap keterampilan instrumental di klasik dunia. Penonton rock mengharapkan solo gitar di lagu Pixies “Where is My Mind?” (1992) menjadi produk Joey Santiago yang memainkan instrumennya secara real time seperti yang dilakukan penonton klasik dalam kasus rekaman John Williams dari suite kecapi Bach. 

Tapi pengakuan bahwa rock bekerja adalah rekaman untuk diputar ulang—bukan lagu maupun pertunjukan studio—tidak perlu mengurangi pentingnya keterampilan instrumental yang digunakan ke dalam produksi banyak dari mereka, lebih dari mengevaluasi patung mengharuskan kita untuk mengabaikan keterampilan pematung. Meskipun demikian, salah satu konsekuensi dari pandangan saya adalah bahwa itu membuat rock tampak agak tradisi dikotomis, dengan satu jenis aktivitas pada intinya—produksi trek rock, karya seni nonpertunjukan—dan dengan jenis aktivitas lain yang kurang sentral, tapi tetap saja penting—pertunjukan langsung dari lagu-lagu. Kedua alam ini terhubung dalam berbagai cara kursus. Lagu-lagu yang dibawakan oleh musisi rock secara live biasanya dimanifestasikan oleh trek nonperformance yang dihasilkan oleh musisi yang sama, dan keterampilan yang ditampilkan dalam siaran langsung mereka pertunjukan biasanya ditarik dalam produksi trek tersebut. Tapi pemandangan musik rock yang saya usulkan tetap bipartit.

Versi Sampul 

Apa yang membuat satu trek rock menjadi "sampul", atau versi baru, dari beberapa trek sebelumnya, jika tidak? semacam penampilan dari lagu "tertutup"? Gracyk tidak banyak bicara topik sampul. Karena saya berpendapat bahwa trek rock bukanlah penampilan dari lagu itu manifes, saya tidak dapat mengelompokkan sampul bersama sebagai pertunjukan studio yang berbeda dari yang sama lagu, seperti yang dilakukan Davies. Namun, karena saya telah mempertahankan gagasan tentang manifestasi trek lagu, saya dapat dengan mudah mengelompokkan sampul bersama sebagai trek (berhasil) yang dimaksudkan untuk diwujudkan lagu yang sama. 

Davies pasti akan menjawab bahwa musisi rock dan penggemar berbicara tentang sampul seolah-olah mereka adalah penampilan baru dari lagu-lagu lama. Perbandingan dengan film sangat membantu di sini. Film kadang-kadang "dibuat ulang": sebuah film baru diproduksi yang memiliki banyak properti penting dengan film yang sudah ada sebelumnya. Plot, cara plot disajikan, dan judul adalah yang paling properti yang biasanya ditransfer, tetapi banyak yang dapat diubah. Tindakan dapat dipindahkan dari Midlands ke Midwest, dari tahun 1960-an hingga 1990-an, dialognya bisa sepenuhnya ditulis ulang, asalkan menyajikan cerita yang sama secara luas. Tetapi bahkan di sini, relatif besar perubahan dapat dilakukan. Misalnya, dalam pembuatan ulang The Thomas Crown Affair (dir. Norman Jewison, 1968), apa yang merupakan akhir yang bahagia hanya untuk permainan wanita Steve McQueen Thomas Crown menjadi akhir pasangan bahagia untuk Mahkota Pierce Brosnan yang lebih sensitif dan Catherine Banning karya Rene Russo dengan tambahan adegan terakhir baru (dir. John McTiernan, 1999). 

Penonton tentu saja membandingkan yang asli dan yang remake. Namun, ada perbedaan penting antara perbandingan film asli dengan remake-nya dan perbandingan dua pertunjukan simfoni, misalnya. Ketika satu pertunjukan adalah lebih disukai daripada yang lain untuk, katakanlah, penanganan perubahan tempo yang sensitif di bagian tertentu, keduanya dibandingkan sebagai pertunjukan dari pekerjaan yang sama. Namun, penilaian serupa tidak dibuat dalam perbandingan film asli dan remake. Dua kritikus mungkin tidak setuju tentang apakah adegan kejar-kejaran di remake lebih seru, atau lebih baik diedit, daripada urutan paralel dalam aslinya, tetapi tidak ada pembicaraan tentang film mana yang lebih benar untuk “the kerja”—karena tidak ada rujukan yang jelas untuk istilah ini di bioskop, selain film tertentu. Bagaimana penyimpangan ini ke dalam filosofi film berhubungan dengan perhatian utama kami, the karya seni dalam musik rock? Sama seperti kita membandingkan film remake dengan aslinya, tapi jangan menganggap film sebagai pertunjukan narasi atau skenario yang mereka miliki bersama, jadi kami membandingkan versi sampul tanpa menganggapnya sebagai penampilan dari lagu-lagu mereka tampak. 

Poin terakhir yang perlu diperhatikan, setelah sekian lama berfokus pada pembuatan ulang film dan cover rock, adalah bahwa remake dan cover sangat jarang terjadi di dunia perfilman dan rock. Ini lebih lanjut menunjukkan bahwa rock, seperti film, tidak boleh dilihat sebagai tradisi pertunjukan seperti musik klasik. 

Kesimpulan 

Karya seni dalam rock adalah trek yang dibangun di studio. Trek biasanya menampilkan lagu, yang dapat dilakukan secara langsung. Versi sampul adalah trek (berhasil) yang dimaksudkan untuk dimanifestasikan lagu yang sama dengan lagu lainnya. Ontologi ini mencerminkan cara audiens yang terinformasi berbicara tentang batu. Ia tidak hanya mengakui sentralitas trek yang direkam pada tradisi, tetapi juga nilai yang diberikan untuk keterampilan pertunjukan langsung. Ini menarik perbedaan yang relevan antara apa terjadi di studio dan apa yang berakhir di rekaman, dan antara apa yang terjadi di studio dan apa yang terjadi di atas panggung—hubungan yang sangat berbeda dalam musik rock dan tradisi klasik. (Terjemah oleh Google Translate)

Review   :

Dalam review yang akan saya bahas, saya mendapat bagian musik nomor 38. Yang berjudul “Making Tracks: The Ontology of Rock Music 202 by ANDREW KANIA” dari buku Aesthetic A reader in Philosophy of the Arts edited by David Goldbllat, Lee. B Brown, Stephanie Patridge. Jujur awalnya saya kurang tetarik dengan musik yang bergenre rock. Tetapi, setelah saya mendengar lagu single solo j-hope BTS yang berjudul “MORE” yang bergenre rock hip-hop membuat saya sedikit tertarik ke arah genre rock, terutama rock  hip-hop. Entah karena j-hope dari BTS yang membawakannya kemudian membuat saya tertarik atau memang saya baru tahu ternyata ada gaya genre rock dengan campuran hip-hop dan ternyata enak bahkan asik juga untuk didengar dan diulang. Saya sertakan link untuk mendengarkan langsung ke https://youtu.be/pKdBFeewZYE   (j-hope BTS “MORE” musik video). 

Ya, seperti yang terlampir pada terjemahan kasar diatas yang dibantu oleh Google Translate saya setuju dengan poin ketiga tentang tanggapan yang relevan bahwa “Apa pun teknologi studio yang tersedia untuk pertunjukan langsung, yang paling menonjol fitur dari apa yang terjadi di studio tidak akan pernah bisa diekspor ke panggung.” Mengapa saya merasa setuju? Karena, Saya mendapat sedikit pengetahuan tentang musik berawal saya menjadi penggemar BTS dan ketika membaca buku bagian rock ini. Jendela pengetahuan tentang musik saya sedikit terbuka dan saya menyadari bahwa beberapa lagu dalam album mereka yaitu BTS ada yang sebagian memiliki musik video dan beberapa penampilan panggung, kemudian beberapa musik tidak ada pertunjukkan ataupun musik video. Mungkin poin ketiga dari tanggapan relevan oleh Andrew Kania adalah alasannya beberapa seniman musik melakukan hal tersebut. Dan yang terakhir, ini masih menyangkut di tanggapan relevan poin ketiga saya mengutip kata selajutnya yaitu “Seseorang pada prinsipnya selalu dapat kembali dan mengubah sesuatu sampai dia bahagia dengan hasilnya.” saya sangat merasakan hal yang sama ketika saya membuat gambar/karya apapun itu ketika akan mengunggah suatu karya ke media sosial. Misalnya, ketika saya menuju gambar yang saya buat beberapa hari lalu, kemudian akan saya unggah ke instagram hari ini. Tiba-tiba, saya melihat seperti ada yang salah/kurang dalam gambar yang saya buat. Kemudian saya mencoba memperbaiki, dan terkadang sampai mengulang gambar yang sama atau bahkan menggambar yang lain sampai saya puas dengan hasil yang terbaru. Sejujurnya pengelihatan ini lumayan mengganggu kepercayaan diri saya, karena saya selalu melihat karya saya selalu ada kurangnya. Padahal, seharusnya saya percaya diri dan terus berusaha memperbaiki kualitas gambar dengan terus berlatih. Ya, mungkin itulah tantangan banyak seniman atau peseni.